Paso a paso: Tutorial de estatuas

¡Hola a todos! Hoy os traigo la guía definitiva para pintar estatuas. Es un tema muy recurrente en la mayoría de viajes o destinos y, además, algo que habéis pedido mucho en el chat de sugerencias. Aunque existen numerosos tipos de estatuas, tanto en forma como en acabados, he preparado este pequeño «manual de instrucciones» con consejos que podemos aplicar en casi cualquier situación. Así que estad muy atentos a estos trucos. ¡Empezamos!

Hello everyone! Today I’m bringing you the ultimate guide to painting statues. It’s a very common subject when travelling and sketching different destinations, and it’s also something many of you have requested in the suggestions chat. Although there are countless types of statues, varying in both shape and finish, I’ve put together this small “instruction manual” with tips that can be applied in almost any situation. So pay close attention to these tricks. Let’s get started!

Luces y sombrasLights and Shadows

Quizás sea lo más importante en una estatua. Para que se entiendan sus formas, es imprescindible que haya un buen contraste, así que, si la iluminación está de nuestra parte (por ejemplo, en un día soleado o con una luz lateral en lugar de cenital), la tarea será mucho más sencilla.

This is probably the most important aspect when painting a statue. To clearly define its forms, strong contrast is essential. Therefore, if the lighting is on our side (for example, on a sunny day or with side lighting rather than overhead light), the task becomes much easier.

A la hora de dibujar una estatua, empezaremos marcando las líneas básicas (paso 1). Seguiremos dando forma a los contornos y añadiendo algunos detalles (paso 2). Después, con el lápiz, colocaremos las sombras principales (paso 3) y, por último, jugaremos con la intensidad de los trazos para diferenciar los medios tonos de las zonas más oscuras (paso 4). Para el paso 3 os recomiendo entrecerrar los ojos y unir manchas del mismo valor tonal. Así crearemos un «mapa de sombras» que será nuestra guía más adelante. A la hora de pintar con acuarela, el paso 4 es opcional, aunque a mí me gusta utilizarlo sobre todo en el rostro. Eso sí, al acabar de aplicar las tramas es importante restar intensidad al grafito con una goma maleable. Una vez tenemos marcadas estas formas, podremos trabajar más relajados, sobre todo si estamos pintando al aire libre y la luz no para de cambiar (por ejemplo, al amanecer o al atardecer, cuando el sol se mueve más rápido y, como consecuencia, también lo hacen las sombras).

When drawing a statue, we’ll begin by sketching the basic lines (Step 1). Next, we’ll refine the contours and add some details (Step 2). Then, using a pencil, we’ll place the main shadow shapes (Step 3). Finally, we’ll vary the intensity of our marks to distinguish mid-tones from the darkest areas (Step 4). For Step 3, I recommend squinting your eyes and grouping together areas that share the same tonal value. This will allow us to create a “shadow map” that will serve as our guide later on. When working with watercolours, Step 4 is optional, although I personally like to use it, especially on the face. Once the hatching is finished, it’s important to soften the graphite using a kneaded eraser. Once these shapes are established, we can work much more comfortably, especially when painting outdoors and the light keeps changing (for example, at sunrise or sunset, when the sun moves more quickly and, as a result, so do the shadows).

Acabados y materialesFinishes and Materials

Aunque existen estatuas hechas de muchos materiales, he creado cuatro grupos en los que podemos englobar la mayoría de ellas. A continuación, os haré una breve explicación de cada uno y de cómo conseguir esas texturas y colores a través de mezclas de acuarela en tres pasos: Empezaremos siempre con una aguada base sobre húmedo (paso 1). Después añadiremos algunas texturas (paso 2), que pueden hacerse sobre seco o mientras el color anterior aún sigue fresco (salpicaduras, vetas, grietas…). Por último, pintaremos las sombras (paso 3) con una veladura (capa de pintura transparente) sobre seco.

Although statues can be made from many different materials, I have grouped most of them into four main categories. Below, I’ll briefly explain each one and show you how to recreate their textures and colours using watercolour mixtures in three steps. We’ll always begin with a wet-on-wet base wash (Step 1). Then we’ll add textures (Step 2), either on dry paper or while the previous layer is still damp (splatters, veins, cracks, etc.). Finally, we’ll paint the shadows (Step 3) using a glaze (a transparent layer of paint) applied on dry paper.

Mármol / Marble

Este tipo de esculturas es bastante común y, aunque puede parecer el más sencillo por su acabado uniforme y pulido, depende mucho de la iluminación que lo rodea, ya que refleja los tonos de la luz y adquiere sus colores. Por ejemplo, si vemos una estatua de mármol al atardecer, el color será muy amarillento; mientras que, si la pintamos durante la mañana, la superficie adquirirá connotaciones más frías o neutras.

This type of sculpture is very common and, although it may seem the easiest because of its smooth and polished finish, it depends greatly on the surrounding light, as it reflects its colours and tones. For example, a marble statue viewed at sunset will appear much warmer and more yellowish, whereas in the morning its surface will take on cooler or more neutral tones.

Piedra rugosa /  Rough Stone

Parecida al mármol, pero con más textura y desgaste. Quizás sea la más habitual en jardines y una de mis favoritas. Aquí será esencial dedicar tiempo a las manchas y generar variaciones de color en húmedo (rojos del granito, verdes del musgo…) antes de añadir las sombras.

Similar to marble, but with more texture and weathering. This is probably the most common type found in gardens and one of my personal favourites. Here it’s essential to spend time creating colour variations while the paint is still wet (the reds of granite, the greens of moss, etc.) before adding the shadows.

Metal con pátina / Patinated Metal

Muy común para decorar monumentos o edificios. Ya sea de cobre, hierro o bronce, con el paso del tiempo los tonos de la superficie van cambiando hasta crear pátinas de colores tan espectaculares como turquesas o rojos intensos.

Very common in monuments and architectural decoration. Whether made of copper, iron, or bronze, the surface tones gradually change over time, creating spectacular patinas in colours such as turquoise or deep reds.

Doradas / Gilded Statues

El reflejo del sol es el que moldea los contornos de estas estatuas. Con un acabado muy pulido y brillante, suelen ser las protagonistas de fuentes y coronar cúpulas. Para generar volumen buscaremos la superposición de capas sobre seco en tonos amarillos, ocres y naranjas.

The reflection of sunlight is what defines the shapes of these statues. With their highly polished and reflective surfaces, they often take centre stage in fountains or crown domes and rooftops. To create volume, we will focus on layering dry washes in yellows, ochres, and oranges.

Y ahora que hemos estudiado las texturas, colores, luces y sombras, es el momento de ponerlo todo en práctica con este ejercicio de una escultura rodeada de vegetación en un parque.

Now that we’ve explored textures, colours, lights, and shadows, it’s time to put everything into practice with this exercise featuring a sculpture surrounded by vegetation in a park.

PASO 1 / STEP 1

Con el portaminas de mina HB de 0,5 mm hacemos un esquema general de la estatua, atendiendo sobre todo a sus proporciones y posición dentro de la hoja. Una vez tenemos los contornos más o menos definidos, es momento de darle forma, añadir los detalles del rostro y situar las sombras principales. Al finalizar, con la goma maleable restaremos intensidad a los trazos para que el grafito se note menos al aplicar la acuarela.

Using a 0.5 mm HB mechanical pencil, sketch the general shape of the statue, paying particular attention to its proportions and placement on the page. Once the main contours are established, begin refining the forms, adding facial features, and placing the main shadow areas. When finished, soften the pencil marks with a kneaded eraser so the graphite will be less visible once the watercolour is applied.

PASO 2 / STEP 2

Humedecemos el interior de toda la estatua con agua limpia. Mezclamos Sepia con Indian Gold y un toque de Gris de Payne y, con el pincel redondo del número 12, extendemos la mezcla sobre el cuerpo y la fuente, incidiendo en las sombras y utilizando menos cantidad en las zonas iluminadas. Mientras sigue húmedo, añadimos toques de Rojo Inglés, Niebla Hematite e Indian Gold en las partes más oscuras. Podemos salpicar tanto con estos colores como con agua limpia para aportar textura. A medida que el papel se va secando, podemos crear algunas líneas finas a modo de vetas en la piedra usando el pincel redondo tipo Rigger del número 0 y una mezcla de Rojo Inglés con Niebla Hematite. Dejamos secar.

Wet the entire statue with clean water. Mix Sepia with Indian Gold and a touch of Payne’s Grey. Using a size 12 round brush, apply the mixture over the statue and fountain, concentrating more pigment in the shadow areas and less in the highlights. While the surface is still wet, add touches of English Red, Hematite Mist, and Indian Gold to the darker areas. You can also splatter both paint and clean water to create texture. As the paper begins to dry, use a size 0 Rigger brush and a mixture of English Red and Hematite Mist to paint fine lines that suggest veins and cracks in the stone. Let it dry.

PASO 3 / STEP 3

Con la mezcla de Sepia e Indian Gold, sobre seco y utilizando el pincel redondo del número 6, creamos una veladura sobre las zonas en sombras. Es importante no dar muchas pasadas para evitar levantar la pintura del paso 2. Dejamos secar.

Using the Sepia and Indian Gold mixture on dry paper and a size 6 round brush, apply a transparent glaze over the shadow areas. Try not to go over the same area too many times, as this may lift the paint applied in Step 2. Let it dry.

PASO 4 / STEP 4

Humedecemos la zona de vegetación con agua limpia y, con el pincel redondo del número 12, creamos grandes manchas de Indian Yellow muy concentrado. Mientras esa capa sigue húmeda, añadimos toques de la mezcla de Indian Yellow + Gris de Payne para crear variedad tonal. Para las flores utilizaremos Violeta Rosa de Quinacridona + Niebla Hematite. A medida que el papel se va secando, las manchas tendrán más definición y podremos añadir las pinceladas más oscuras con Indian Yellow + Gris de Payne y muy poca agua. Para los tallos utilizaremos el pincel tipo Rigger del número 0. Dejamos secar.

Wet the vegetation area with clean water and, using a size 12 round brush, create large, concentrated washes of Indian Yellow. While this layer is still wet, add touches of Indian Yellow mixed with Payne’s Grey to create tonal variety. For the flowers, use Quinacridone Violet Rose mixed with Hematite Mist. As the paper gradually dries, the shapes will become more defined, allowing you to add darker brushstrokes using Indian Yellow +  Payne’s Grey. For the stems, use a size 0 Rigger brush. Let it dry.

PASO 5 / STEP 5

Con la mezcla de Sepia + Gris de Payne, y un pincel fino del número 0, realizamos las líneas y detalles oscuros, como los pliegues de la ropa, los párpados, la comisura de la boca, el pelo y el biselado de la fuente. Dejamos secar. Con el mismo color, pero más aguado, y utilizando un pincel redondo del número 6, aumentamos el contraste añadiendo más oscuridad a las zonas en sombra y suavizando las líneas anteriores. Dejamos secar. Por último, con la mezcla de Sepia y Gris de Payne muy concentrada, situamos las sombras más oscuras. En el fondo también vamos a intensificar la zona de la vegetación de la derecha con Indian Yellow y Gris de Payne, trabajando sobre seco. Para terminar, con la técnica del pincel seco (utilizando un pincel plano o en forma de lengua de gato) y agua limpia, frotamos sobre los verdes para sacar algunas texturas y luces entre la maleza. Dejamos secar.

Using a mixture of Sepia and Payne’s Grey and a fine size 0 brush, paint the dark lines and details, such as the folds of the clothing, eyelids, corners of the mouth, hair, and the decorative edges of the fountain. Let it dry. Using the same mixture diluted with more water and a size 6 round brush, increase the contrast by darkening the shadow areas and softening some of the previous lines. Let it dry. Finally, using a very concentrated mixture of Sepia and Payne’s Grey, add the darkest shadows. In the background, intensify the vegetation on the right-hand side using Indian Yellow and Payne’s Grey, working on dry paper. To finish, use the dry-brush technique (with a flat or filbert brush) and clean water to gently scrub some areas of green, lifting pigment to create highlights and texture among the foliage. Let it dry.

Espero que os haya gustado y que os sirva de guía para plasmar en vuestros cuadernos esculturas y estatuas de todo tipo. Estoy segura de que, a partir de ahora, no habrá ninguna que se os resista. Como siempre, más abajo os dejo la imagen de referencia para descargar y la lista de materiales. Cualquier duda, os leo en los comentarios. ¡Buen fin de semana!

I hope you enjoyed this tutorial and that it helps you capture all kinds of sculptures and statues in your travel sketchbooks. I’m sure that from now on, no statue will feel too challenging to paint. As always, below you’ll find the reference photo available for download, along with the materials list. If you have any questions, feel free to leave them in the comments. Have a wonderful weekend!

Para la práctica de hoy necesitaremos los siguientes materiales:- Pincel redondo número 12 (yo uso Escoda Barroco) Pincel redondo número 2 (yo uso Escoda Prado) Pincel redondo número 6 (yo uso Escoda Prado) Set de pinceles de viaje- Pincel redondo número 0 (yo uso Escoda Prado)- Pincel tipo paletina (brocha) del número 12 Escoda Barroco https://escoda.com/es/producto/2336/- Pincel tipo Rigger del número 0- Acuarelas:  en este post está el listado completo de colores- Bloc Harmony grano fino A4 para acuarela (Yo uso este de Hahnemuhle)- Portaminas 0.5 con minas HB- Pluma estilográfica (Yo uso Kaweco Perkeo)- Tinta permanente (Yo uso Sketchink en tono marrón Lilly)- Rotulador acrílico Blanco (Yo uso Posca PC 1M)- Gouache Blanco https://www.artemiranda.com/es/winsor-newton-designers-gouache/5630- Descargar la imagen adjunta

For today's practice we will need the following materials:- Round brush number 12 (I use Escoda Barroco) Round brush number 2 (I use Escoda Prado) Round brush number 6 (I use Escoda Prado) Travel brushes set- Round brush number 0 (I use Escoda Prado)- Rigger brush number 0- Mottler Brush number 12 Escoda Barroco https://escoda.com/es/producto/2336/- Watercolors: in this post you can find the complete color list- Harmony fine grain A4 watercolor pad (I use this one by Hahnemuhle)- Mechanical Pencil 0.5 HB leads- White acrylic marker (I use Posca PC1M)- Fountain pen (I use Kaweco Perkeo)- Waterproof ink (I use Skechink Lilly)- White Gouache https://www.artemiranda.com/es/winsor-newton-designers-gouache/5630- Download the attached image