Monthly discovery: When is enough (Patreon)

Descubrimiento del mes: Saber cuándo parar

Leonardo da Vinci dijo una vez: «Una obra de arte nunca se termina, solo se abandona.» Quizás por ese motivo es normal tener la sensación, cuando pintamos, de que nuestros dibujos nunca están realmente acabados y que siempre podrían llevar más y más detalle. Ese sentimiento puede convertirse en un motor de aprendizaje, pero también en el responsable de arruinar muchas de nuestras obras. En el post de hoy veremos algunos trucos y consejos para identificar cuándo una ilustración está terminada (o casi). Para ello, tomaré como referencia algunos de mis dibujos pasados en los que, gracias a esos errores, fui aprendiendo —como diría el maestro Da Vinci— a abandonar mis obras justo a tiempo.

Leonardo da Vinci once said: “Art is never finished, only abandoned.” Perhaps that’s why it’s so common to feel, when we paint, that our drawings are never truly complete and could always have more and more detail. That feeling can be a great driver of learning, but it can also end up ruining many of our works. In today’s post, we’ll look at some tips and tricks to help identify when an illustration is finished (or almost). To do this, I’ll take as reference some of my past drawings where, thanks to those mistakes, I learned—just as Da Vinci would say—to “abandon” my works at the right moment.

Limitar el tiempo / Set a Time Limit

Este es el primer y más importante consejo de todos: ponernos un límite de tiempo al pintar. Puede ser de media hora, diez minutos o una hora. Este simple gesto ayuda muchísimo, sobre todo cuando estamos empezando, porque nos hace más conscientes del proceso, nos obliga a tener un plan antes de pintar y nos anima a reducir el número de detalles para poder terminar la obra dentro de esos márgenes previamente acordados. En mi caso, pintar viajando me ha enseñado a ser muy consciente del tiempo que requiere cada dibujo. Cuando estamos visitando un lugar y queremos llevar un diario ilustrado ‘in situ’, es fundamental no tardar demasiado con cada ilustración. Así podemos descubrir más rincones y disfrutar de las vacaciones a la vez que llenamos nuestras páginas. Si pintáis en casa, os recomiendo probar de vez en cuando a poner una cuenta atrás en el teléfono. Esto no significa que cada dibujo tenga que convertirse en una carrera, pero de tanto en tanto está bien hacer estos ejercicios prácticos que nos ayuden a simplificar y nos ‘obliguen’ a parar, aunque nos quede la sensación de que la ilustración no está del todo acabada.

This is the first and most important piece of advice: set yourself a time limit when painting. It can be half an hour, ten minutes, or an hour. This simple habit helps a lot, especially when we’re just starting out, because it makes us more aware of the process, forces us to have a plan before painting, and encourages us to reduce the number of details in order to finish within that agreed time frame. In my case, painting while traveling has taught me to be very mindful of the time each drawing requires. When we’re visiting a place and want to keep an illustrated travel journal on location, it’s essential not to spend too long on each sketch. That way we can discover more corners of the city and enjoy the trip while filling our pages. If you’re painting at home, I recommend trying from time to time to set a countdown on your phone. This doesn’t mean every drawing has to turn into a race, but now and then it’s useful to do these exercises that help us simplify and “force” us to stop, even if we’re left with the feeling that the illustration isn’t fully finished.

No perder la luz / Don’t Lose the Light

Uno de los errores que más cometía cuando empecé a pintar con acuarela era superponer capas y capas hasta casi perder la luz de mis dibujos por completo. Pretendía ganar contraste intensificando los colores, cuando en realidad se consigue mucho más volumen manteniendo a raya las luces. Si nos centramos solo en las sombras, la acuarela se convierte en una silueta plana y oscura. Por eso es fundamental ir poco a poco, manteniendo la transparencia de las aguadas y respetando los medios tonos, diferenciándolos tanto de las partes iluminadas como de las más oscuras.

One of the mistakes I often made when I first started with watercolor was layering wash upon wash until I almost lost the light of my drawings completely. I was trying to create contrast by deepening the colors, when in reality you get much more volume by keeping the lights under control. If we focus only on the shadows, the watercolor becomes a flat, dark silhouette. That’s why it’s essential to work gradually, keeping washes transparent and respecting the mid-tones—clearly distinguishing them from both the lightest and the darkest areas.

En este ejemplo, aunque he dejado algunas partes del papel en blanco para las luces, los medios tonos son tan oscuros que se confunden con las sombras, perdiéndose el volumen de la cáscara del coco. Además, las texturas de la arena del fondo son tan marcadas que se mezclan con las de la toalla gris, dificultando distinguir unas de otras.

In this example, although I have left some parts of the paper blank for the highlights, the midtones are so dark that they blend into the shadows, losing the volume of the coconut. In addition, the textures of the sand in the background are so pronounced that they blend in with those of the gray towel, making it difficult to distinguish between them.

Demasiadas líneas / Too Many Lines

Las líneas a pluma son una herramienta muy útil cuando queremos remarcar la estructura de un edificio o intensificar las sombras. Sin embargo, abusar de ellas puede generar una sensación caótica en la ilustración, lo que se conoce como ruido visual. Hace años solía empezar mis dibujos con un pequeño boceto a tinta y después añadía las manchas de color. Pero descubrí que, de esa manera, era muy fácil perder el control y que los trazos con pluma terminaran destacando demasiado sobre la acuarela. Mi recomendación a día de hoy es dejar la tinta para el final, como último paso para añadir contraste y detalle. Y, en la medida de lo posible, usarlas en zonas oscuras donde el pincel no resulte tan preciso: columnas, rejas, cableado o líneas rectas que requieren mucho pulso.

Ink lines can be very useful when we want to emphasize the structure of a building or reinforce shadows. However, overusing them can create a chaotic feeling in the illustration, what we might call visual noise. Years ago, I used to start my drawings with a small ink sketch and then slowly add watercolor washes. But I realized that this approach made it very easy to lose control and let the ink lines dominate over the watercolor. My recommendation today is to leave the ink until the very end, as a final step to add contrast and detail. Ideally, use it only in darker areas where the brush can’t be as precise: columns, railings, cables, or straight lines that require a steady hand.

En este ejemplo, si calculáramos la proporción entre líneas y manchas de color, estaríamos hablando de un 60% de líneas frente a un 40% de acuarela. Aunque la perspectiva es correcta, el exceso de tinta genera un aspecto tan caótico que impide leer bien la estructura del edificio y sus luces y sombras. Para un acabado más natural, la proporción ideal sería como mucho un 20% de líneas respecto al color.

In this example, if we measured the proportion of lines to color, it would be about 60% lines and 40% watercolor. Even though the perspective is correct, the excess ink creates such a chaotic effect that it prevents us from clearly understanding the building’s structure, light, and shadows. For a more natural finish, the ideal balance would be no more than 20% lines compared to brushstrokes.

Manchas pequeñas VS aguadas grandes / Small Strokes vs. Large Washes

Supongamos que nuestro papel es un vagón de metro. En cada parada entran nuevas personas (pinceladas). Al principio todos encuentran sitio y viajan cómodos, pero a medida que se llena el vagón el espacio desaparece y llega un punto en el que la gente está tan apretada que no podemos distinguir la puerta de salida. Cuando queremos bajarnos, es demasiado tarde, no podemos salir y nuestro papel se ha quedado sin espacio. Con la acuarela pasa algo parecido. Al principio, las aguadas son transparentes y claras, pero poco a poco añadimos más y más pinceladas, unas sobre otras. Si no paramos a tiempo, llega un punto en que la superficie está tan saturada que hemos perdido no solo la luz, sino también el color. Para evitarlo es clave elegir desde el inicio las mezclas adecuadas, tanto en color como en tono. Empieza con un pincel grande y colores transparentes; añade detalles de forma gradual y reserva las texturas más marcadas —las de pinceladas pequeñas— solo para el primer plano. Cuanto más lejos, menos detalle.

Let’s imagine your paper is a subway car. At each stop, more people get on (brushstrokes). At first, everyone has space and travels comfortably, but as the car fills up, the space disappears. Eventually, it gets so crowded that you can’t even see the exit door. By the time you want to get off, it’s too late—the paper is full. With watercolor, it’s something similar. At first, the washes are light and transparent, but as the illustration progresses we keep adding more and more brushstrokes, one on top of the other. If we don’t stop in time, the surface becomes so saturated that we lose not only the light but also the color. To avoid this, it’s crucial to choose the right mixes from the start, both in color and in tone. Begin with a large brush and transparent washes; then add detail gradually. Keep the strongest textures—those with smaller strokes—only in the foreground. The farther away, the less detail.

En esta acuarela del Torii flotante de Miyajima, la cantidad de pinceladas en los reflejos hace imposible distinguir qué tono se aplicó primero y cuál después. El plano medio y el primer plano se confunden porque comparten la misma textura, y los reflejos naranjas han quedado sepultados bajo el azul de las ondas. La solución habría sido comenzar con una única aguada amplia, en azul claro, con pinceladas naranjas verticales para los reflejos del Torii. Después, sobre esa base, añadir algunas ondas en seco: grandes en el primer plano y más finas y pequeñas a medida que se alejan.

In this watercolor of the floating Torii in Miyajima, the number of brushstrokes in the reflections makes it impossible to tell which tone was applied first and which came later. The middle ground and foreground merge because they share the same texture, and the orange reflections ended up buried under the blue of the water ripples. The solution would have been to start with a single wash in light blue, adding vertical orange strokes for the Torii reflections. Then, on top of that base, paint some ripples on dry paper: larger in the foreground and finer and smaller as they recede.

Exceso de rotulador blanco / Too Much White Marker

Los acuarelistas más puristas dicen que la luz de la acuarela está en el blanco del papel, y no les falta razón. Sin embargo, a veces, conservar zonas muy pequeñas sin cubrir puede resultar complicado y exigir mucha paciencia y tiempo, algo de lo que, precisamente, no disponemos cuando pintamos durante un viaje. En esas situaciones, nuestro rotulador blanco de pintura acrílica puede convertirse en un auténtico salvavidas, ayudándonos a recuperar pequeños puntos de luz sobre las manchas de acuarela. Eso sí: llevarlo en el estuche no significa olvidar la norma principal. Conservar el blanco del papel debe seguir siendo nuestra prioridad. Si no respetamos las luces desde el principio, al final de la obra nos veremos obligados a hacer demasiadas correcciones con el rotulador. Y es importante recordar que el acabado del blanco acrílico nunca será igual al del papel: su textura es más artificial y se nota la diferencia. Por eso, una cosa es ayudarnos con él de manera puntual, y otra muy distinta abusar de su uso. Si nos pasamos, obtendremos un resultado parecido al exceso de líneas a pluma: caos visual, dibujos planos y sin contraste.

Watercolor purists say that the light of watercolor lies in the white of the paper—and they’re right. Still, preserving very small areas of white can be tricky and often requires patience and time, something we usually lack when painting on the go. In those situations, a white acrylic paint marker can become a real lifesaver, helping us recover small highlights on top of watercolor washes. That said, carrying it in your case doesn’t mean forgetting the main rule: preserving the paper’s white should remain our priority. If we don’t protect the highlights from the beginning, we’ll end up making too many corrections with the pen. And it’s worth remembering that the finish of acrylic white will never be the same as watercolor paper—it looks more artificial, and the difference is noticeable. That’s why there’s a big difference between using it as support and overusing it. If we rely on it too much, the result will be similar to overdone ink lines: visual chaos, flat drawings, and no contrast.

En este ejemplo, la piedra quedó tan oscura que terminé perdiendo los medios tonos y las luces. Intenté solucionarlo con el rotulador, pero al tener que hacer tantas correcciones, las líneas blancas acabaron llevándose todo el protagonismo, dando como resultado un acabado muy artificial.

In this example, the stone turned out so dark that I lost the mid-tones and highlights. I tried to fix it with the pen, but after so many corrections, the white lines stole all the attention, resulting in a very artificial finish.

Darnos un respiro / Giving Ourselves a Break

Por último, cuando empezamos a dudar entre seguir añadiendo detalles o dejar el dibujo tal cual está, hacer una pausa justo en ese momento puede ser la mejor solución. Es como cuando tenemos que tomar una decisión importante y alguien nos aconseja “consultarlo con la almohada”. Tomar distancia del dibujo, aunque sea solo media hora, nos permite mirarlo con otros ojos y separarnos un poco emocionalmente de la obra. Así podemos decidir con una mirada más imparcial. Os confieso que, en la mayoría de los casos, después de hacer esa pausa no he vuelto a retocar el dibujo; y si lo he hecho, ha sido solo para añadir pequeños detalles. Esto demuestra que nuestra intuición suele ser bastante buena y que, cuando algo dentro de nosotros nos dice que debemos parar, es porque realmente tenemos que parar.

Finally, when we start doubting whether to add more details or stop at that point, taking a break right then can be the best solution. It’s like when we have to make an important decision and someone advises us to “sleep on it.” Stepping away from the drawing, even for just half an hour, allows us to look at it with fresh eyes and detach ourselves a bit emotionally from the work. That way, we can make decisions from a more impartial perspective. I’ll confess: in most cases, after taking that pause, I haven’t gone back to retouch the drawing. And if I did, it was only to add very small details. This shows that our intuition is usually quite reliable, and when something inside us tells us to stop, it’s because we really should stop.

¿Qué os ha parecido el descubrimiento de este mes? Cuando propusisteis este tema en el chat de sugerencias me pareció muy interesante, porque creo que todos hemos tenido (y seguimos teniendo) este tipo de dudas. Espero que mi experiencia os inspire en vuestras próximas acuarelas y, sobre todo, os ayude a normalizar estas situaciones. Es completamente natural preguntarse cómo habría quedado un dibujo sin esa última pincelada o sin ese trazo final. Pero el arte, como la vida, es un aprendizaje continuo y disfrutar del proceso es tan importante como seguir progresando. Que esas dudas sean siempre un motor de búsqueda y no una piedra en el camino. ¡Nos vemos la próxima semana!

What Did You Think of This Monthly Discovery? When you suggested this topic in the Suggestion chat, I thought it was very interesting because I believe we’ve all had (and still have) these kinds of doubts. I hope my experience inspires you in your next watercolors and, above all, helps you normalize these situations. It’s completely natural to wonder how a drawing might have turned out without that last brushstroke or final line. But art, like life, is a continuous learning process. Enjoying the journey is just as important as making progress. May those doubts always be a motor for exploration, and never a stone in the way. See you next week!